Leonardo Aranguibel de The Walt Disney Company Latin America
‟Siento que las audiencias, y no solamente en nuestra región, sino globalmente, han ido prefiriendo contenidos más breves, de seis a ocho episodios. Las de 13 a 15 ya no tienen el mismo gancho. Sin embargo, la tradición de narrativa larga de nuestra TV en América Latina, con series de 40 o 50 capítulos, continúa teniendo espacio” expresó en #PRODUprimetime con Ríchard Izarra, Leonardo Aranguibel, VP de Producción y Head de las Operaciones y Estrategias de Producción de The Walt Disney Company Latin America.
16 AÑOS EN DISNEY
‟Hoy tengo el honor de estar con un gran líder de la ficción. Es director, guionista, productor ejecutivo, y ha sido parte de la creación de la nueva narrativa del contenido latinoamericano. Le ha dedicado toda su vida a esta industria, y lleva ya 16 años en Disney Latinoamérica. Es parte activa de la nueva narrativa audiovisual en nuestro continente. Gracias, Leonardo Aranguibel, por estar con nosotros. Leo, este año pareciera haber explotado la producción en Latinoamérica, hay un boom, sobre todo para ustedes, que ahora tienen más canales, más OTT, más streaming. ¿Cómo está la compañía? ¿Trabajando más que nunca?” fueron las palabras con las que Ríchard dio comienzo a la conversación.
VORÁGINE CREADORA
‟¡Si! Pareciera un contrasentido, pero en este año y medio que hemos estado todos trabajando desde casa, la experiencia general es que estamos trabajando más que nunca. Desde que nuestra compañía y nuestro senior management, hace algunos años, estableció la ruta de conectarnos directamente con nuestros consumidores, generando nuestros servicios de streaming, nos embarcamos en una vorágine creadora para desarrollar productos que pudieran atender, desde el mismo inicio del lanzamiento de nuestras plataformas. El año pasado fue el lanzamiento exitosísimo de Disney+ en la región y ahora, el mes pasado, el de Star+ para América Latina. Es una cosa que nos llena de mucho orgullo, ver el trabajo ya realizado” señaló.
HOMOGENEIZACIÓN
Ríchard: Leo es periodista graduado en la Universidad Central de Venezuela, cursó estudios en el London Films School, ha dirigido novelas en RCTV y hecho documentales para HBO. Viene de la vieja escuela, pero también es parte de la nueva, con otra mirada, y más calidad. ¿Cierto, Leo? ‟Sin ninguna duda. Creo que uno de los grandes fenómenos que se pueden identificar en esta era de la televisión, la era de platino, como me gusta llamarla, es la homogeneización de la calidad internacionalmente. Creo que uno veía en las décadas anteriores, los 70, 80 e incluso los 90, una diferencia muy grande entre las producciones de la BBC o de las emisoras en EE UU, o las grandes producciones en general”.
HD EN EL TELÉFONO
Continuó: ‟Tenían un nivel técnico muy elevado, el cual era difícil alcanzar. Creo que eso se ha ido reduciendo. El acceso a la tecnología se ha ido, en cierta forma, masificando porque variaron los costos, la digitalización. El mejoramiento de los equipos y la difusión hizo que bajaran los precios, y ahora con un teléfono, una persona puede hacer un video en HD. Hace 10, 15 años, eso era imposible. Para tener una cámara HD tenías que invertir un buen dinero, y eso solo lo podían hacer las grandes empresas. Eso ha hecho además que, al encontrarnos más en la tecnología, al emparejarnos todos internacionalmente, empiezan a valer más las historias. Porque necesariamente cuando la diferencia tecnológica te apabulla, por más que tu historia sea buenísima y atractiva, cuesta verla si tiene una calidad inferior. Pero si no hay diferencia tecnológica, entonces la historia vale más. Eso es lo que creo que ha variado en el mundo, no solo en nuestra región”.
VIENDO Y ENTRENÁNDOSE
Ríchard: Además de la tecnología, yo agregaría la formación de nuestros profesionales, los directores, guionistas, que han pasado de hacer telenovelas a una ficción con otros niveles. ¿Sí? ‟Sin duda alguna. En eso tiene que ver también la difusión de los contenidos. Ahora tenemos un acceso grandísimo a todo. Uno ve series de Dinamarca, de Nueva Zelanda, de Corea, de donde sea. La difusión del contenido ha hecho que sea un modo de formación, de entrenamiento. Mientras más veas series de calidad, más se eleva tu criterio para realizar tus series. Empiezas a ver los encuadres, la iluminación, los movimientos de cámara, la actuación, los textos. Comienzas a comparar y eso te sube el nivel. Es como probar muchos vinos, que te hace conocedor del buen vino”.
TURNING POINT
Ríchard le proyectó una entrevista en video que le hizo hace unos 15 años. Leo dijo: ‟Podría comparar ese momento con este. Fue un turning point esa época, no solo en lo profesional porque entré a trabajar en Disney, sino también en lo personal. Y ahora, en los dos últimos años, también estamos viviendo un turning point en nuestra compañía. El relanzamiento estratégico de nuestra compañía haciendo una gran cantidad de producciones que en ese momento ni soñábamos. Antes hacíamos una producción tipo boutique, unas 8 a 10 producciones al año. Ahora estamos hablando de 90 a 100 producciones, y contenido de primer nivel en todos los mercados de la región: México, Argentina, Brasil… Estamos trabajando con una intensidad que era el sueño de ese momento (el del video mostrado), ahora estamos viviendo este otro gran cambio”.
EQUIPO DE ORO
‟Nosotros tenemos un equipo de producción construido bajo el liderazgo de Fernando Barbosa, nuestro general manager en la región. Diego Lerner y Fernando iniciaron toda esa etapa de creer en profundidad en el contenido local, en la producción local. Tenemos cuatro equipos: uno a cargo de Cecilia Mendoza, en Kids & Family; otro con Mariana Pérez, que encabeza General Entertainment; Javier Castany en el área de Unscripted, y Fernando Semenzato en Factual Entertainment. Todos hemos trabajado como un gran equipo. A mí me ha correspondido estar más o menos en el medio del camino de todos, y ser como una suerte de pieza de engranaje. Por supuesto es un gran placer ver a todos esos estupendos profesionales juntos. Me siento parte de un equipo de oro, el mejor de la industria, y estoy muy orgulloso”.
AMORES PERROS
Ríchard: Ahora se habla de contenido hiperlocal. ¿Qué nos puedes decir de localismo, glocalismo? ‟Pienso y tengo la convicción muy firme que es mucho más valioso el contenido que refleja la cultura y la idiosincrasia de la tierra donde es producido. Lo que es universal es el drama que cuentas, pero el entorno, el marco, la gente, el modo de hablar, es una cosa muy local. Cuando no haces eso y tratas de satisfacer una cierta cosa como global, creo que la gente lo recibe como inocuo, insípido, que no le dice nada en particular a nadie. Recuerdo en el festival de Huelva, el año en que se estrenó Amores perros. Estaba con el equipo de HBO cubriendo el festival, y salí con la sensación que el mundo había cambiado para los latinoamericanos. Porque esa película de Alejandro González Iñárritu es muy local, extremadamente local, y podías pasar hasta 4 o 5 minutos sin entender el slang de esos personajes de barrio. Era una cosa incomprensible, pero a la vez te seducía muchísimo, te hipnotizaba. Yo dije ‘claro, aquí lo que hipnotiza es la historia, no importa lo que digan’. Siento que eso fue un gran logro, no solo de Amores perros, sino de una gran cantidad de producciones que en estas dos últimas décadas le han dado el zarpazo final a eso. Creo que el contenido hiperlocalista es mucho más valioso internacionalmente hoy en día”.
DRAMA Y COMEDIA
Ríchard: ¿Algún género específico que está de moda? ‟Los dramas y las comedias, en cualquiera de sus subgéneros: dramedies, comedias negras… Esos dos grandes pilares de la narrativa audiovisual siempre van a tener un gran peso, y ahí empiezas a ver policiales, series de suspenso, terror, ciencia ficción, hay un montón de variantes posteriores. El ser humano, desde la antigua Grecia, siempre se ha entregado a los dramas o a las comedias como grandes pilares, y de ahí para abajo lo que tú quieras. Le puedes dar toquecitos, le quitas esto, le pones aquello, pero siguen siendo el drama y la comedia”.
GRAN SORPRESA
Ríchard: Debo recordar que el propio Leonardo en pandemia hizo un documental muy fino y bello, La peste del insomnio, con textos del Gabo narrados por una cantidad de actores de toda la región, además hecho con tecnología móvil. Escrito y dirigido por él. ¿Cómo ha ido ese proyecto? ‟Ha sido una de las más grandes sorpresas de mi vida. Fue una necesidad de gritar algo en medio de la pandemia. Comencé a hacerlo en abril, en el pico de la pandemia. Pedí colaboración a todos mis colegas. Fue una cosa increíble, todo el mundo trabajando desde casa. Después que se estrenó en el portal de la Fundación Gabriel García Márquez el año pasado, hemos tenido un recorrido maravilloso. Hemos sido seleccionados a más de 20 festivales, hasta ayer llevaba la cuenta, 24 festivales, y hemos obtenido 12 premios internacionales en el circuito de festivales de cine. Nos hicieron un review maravilloso, del tamaño de casi una página, en el NYT, en La Nación de Argentina, en Folha de São Paulo. Me invitaron a hablar en una universidad en Alemania (de Göttingen) por Zoom delante de más de 300 estudiantes. Lo tradujeron al alemán y al mandarín porque en China tienen un centro de difusión, se tradujo al portugués, al inglés”…
MENSAJE SOLIDARIO
…‟La verdad que mi objetivo inicial era transmitir un mensaje de solidaridad y de acompañamiento, primero a los que habían perdido familiares; nosotros ya habíamos perdido amigos desde el comienzo de la pandemia, y también a la gente que estaba trabajando para protegernos, los servicios de salud. Y se convirtió en una cosa que circuló mundialmente más allá de lo que me había esperado. Nos ganamos hasta un premio en el festival internacional de Tokio. Muy orgulloso de eso, por todos los que me acompañaron, los 35 actores de toda la región y el equipo técnico: fue uno en España, otro en Nueva York, dos en México, tres en Colombia, en Argentina, en Brasil, en todos lados. De verdad que fue una cosa muy linda como experiencia”.
